Horace Silver • There's No Need To Struggle

 

Biography by Chris Kelsey
From the perspective of the 21st century, it is clear that few jazz musicians had a greater impact on the contemporary mainstream than Horace Silver. The hard bop style that Silver pioneered in the '50s is now dominant, played not only by holdovers from an earlier generation, but also by fuzzy-cheeked musicians who had yet to be born when the music fell out of critical favor in the '60s and '70s.

Silver's earliest musical influence was the Cape Verdean folk music he heard from his Portuguese-born father. Later, after he had begun playing piano and saxophone as a high schooler, Silver came under the spell of blues singers and boogie-woogie pianists, as well as boppers like Thelonious Monk and Bud Powell. In 1950, Stan Getz played a concert in Hartford, Connecticut, with a pickup rhythm section that included Silver, drummer Walter Bolden, and bassist Joe Calloway. So impressed was Getz, he hired the whole trio. Silver had been saving his money to move to New York anyway; his hiring by Getz sealed the deal.

Silver worked with Getz for a year, then began to freelance around the city with such big-time players as Coleman Hawkins, Lester Young, and Oscar Pettiford. In 1952, he recorded with Lou Donaldson for the Blue Note label; this date led him to his first recordings as a leader. In 1953, he joined forces with Art Blakey to form a cooperative under their joint leadership. The band's first album, Horace Silver and the Jazz Messengers, was a milestone in the development of the genre that came to be known as hard bop. Many of the tunes penned by Silver for that record -- "The Preacher," "Doodlin'," "Room 608" -- became jazz classics. By 1956, Silver had left the Messengers to record on his own. The series of Blue Note albums that followed established him for all time as one of jazz's major composer/pianists. LPs like Blowin' the Blues Away and Song for My Father (both recorded by an ensemble that included Silver's longtime sidemen Blue Mitchell and Junior Cook) featured Silver's harmonically sophisticated and formally distinctive compositions for small jazz ensemble.

Silver's piano style -- terse, imaginative, and utterly funky -- became a model for subsequent mainstream pianists to emulate. Some of the most influential horn players of the '50s, '60s, and '70s first attained a measure of prominence with Silver -- musicians like Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson, Benny Golson, and the Brecker Brothers all played in Silver's band at a point early in their careers. Silver has even affected members of the avant-garde; Cecil Taylor confesses a Silver influence, and trumpeter Dave Douglas played briefly in a Silver combo.

Silver recorded exclusively for Blue Note until that label's eclipse in the late '70s, whereupon he started his own label, Silveto. Silver's '80s work was poorly distributed. During that time he began writing lyrics to his compositions, and his work began to display a concern with music's metaphysical powers, as exemplified by album titles like Music to Ease Your Disease and Spiritualizing the Senses. In the '90s, Silver abandoned his label venture and began recording for Columbia. With his re-emergence on a major label, Silver once again received a measure of the attention his contributions deserve. Certainly, no one ever contributed a larger and more vital body of original compositions to the jazz canon. Silver died in New York on June 18, 2014 at the age of 85.
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Biografía de Chris Kelsey
Desde la perspectiva del siglo XXI, está claro que pocos músicos de jazz tuvieron un mayor impacto en la corriente principal contemporánea que Horace Silver. El estilo hard bop por el que Silver fue pionero en los años 50 ahora es dominante, interpretado no solo por vestigios de una generación anterior, sino también por músicos de mejillas difusas que aún no habían nacido cuando la música perdió el favor de la crítica en los años 60 y 70.

La primera influencia musical de Silver fue la música folclórica caboverdiana que escuchó de su padre nacido en Portugal. Más tarde, después de comenzar a tocar el piano y el saxofón cuando era estudiante de secundaria, Silver cayó bajo el hechizo de cantantes de blues y pianistas de boogie-woogie, así como de boppers como Thelonious Monk y Bud Powell. En 1950, Stan Getz tocó en un concierto en Hartford, Connecticut, con una sección rítmica que incluía a Silver, el baterista Walter Bolden y el bajista Joe Calloway. Getz quedó tan impresionado que contrató a todo el trío. Silver había estado ahorrando su dinero para mudarse a Nueva York de todos modos.; su contratación por Getz selló el trato.

Silver trabajó con Getz durante un año, luego comenzó a trabajar independientemente por la ciudad con jugadores tan importantes como Coleman Hawkins, Lester Young y Oscar Pettiford. En 1952 grabó con Lou Donaldson para el sello Blue Note; esta fecha lo llevó a sus primeras grabaciones como líder. En 1953, unió fuerzas con Art Blakey para formar una cooperativa bajo su liderazgo conjunto. El primer álbum de la banda, Horace Silver and the Jazz Messengers, fue un hito en el desarrollo del género que llegó a conocerse como hard bop. Muchas de las canciones escritas por Silver para ese disco ," The Preacher", "Doodlin'", "Room 608", se convirtieron en clásicos del jazz. Para 1956, Silver había dejado a los Messengers para grabar por su cuenta. La serie de álbumes de Blue Note que le siguieron lo estableció para siempre como uno de los principales compositores/pianistas de jazz. LP como Blowin ' the Blues Away y Song for My Father (ambos grabados por un conjunto que incluía a Blue Mitchell y Junior Cook, acompañantes de Silver desde hace mucho tiempo) presentaban composiciones armónicamente sofisticadas y formalmente distintivas de Silver para pequeños conjuntos de jazz.

El estilo pianístico de Silver, conciso, imaginativo y completamente funky, se convirtió en un modelo a emular para los pianistas convencionales posteriores. Algunos de los trompetistas más influyentes de los años 50, 60 y 70 alcanzaron cierta prominencia con Silver: músicos como Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson, Benny Golson y los Brecker Brothers tocaron en la banda de Silver en un momento temprano de sus carreras. Silver incluso ha afectado a miembros de la vanguardia; Cecil Taylor confiesa una influencia Plateada, y el trompetista Dave Douglas tocó brevemente en un combo Plateado.

Silver grabó exclusivamente para Blue Note hasta el eclipse de ese sello a fines de los 70, momento en el que fundó su propio sello, Silveto. El trabajo de Silver en los 80 estaba mal distribuido. Durante ese tiempo comenzó a escribir letras de sus composiciones, y su trabajo comenzó a mostrar una preocupación por los poderes metafísicos de la música, como lo ejemplifican los títulos de álbumes como Music to Ease Your Disease y Spiritualizing the Senses. En los años 90, Silver abandonó su empresa discográfica y comenzó a grabar para Columbia. Con su resurgimiento en un sello importante, Silver recibió una vez más la atención que merecen sus contribuciones. Ciertamente, nadie contribuyó nunca con un cuerpo más grande y vital de composiciones originales al canon del jazz. Silver murió en Nueva York el 18 de junio de 2014 a la edad de 85 años.
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Kenny Burrell • The Bluesin' Around Sessions

Kenneth Earl Burrell, nació el 31 de Julio de 1931 en una de las grandes localidades del blues en los Estados Unidos: la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser más propicio para un joven que pronto se apoderó de la guitarra de su hermano para, con apenas 12 años, comenzar a estudiar las composiciones de sus ídolos: Charlie Christian y Django Reinhardt.

Con una impresionante y excepcional discografía para prestigiosos sellos como: Prestige, Verve, Cadet y Blue Note, Burrell aún sigue activo (en 2010 grabó en directo Be Yourself: Live at Dizzy's Club Coca-Cola), siendo fundador y Director del Jazz Studies Program de la UCLA y Presidente Emérito de la Jazz Heritage Foundation.

La revista Down Beat definió a Kenny Burrell como "un hombre con una misión, una persona cuyo papel como un músico de jazz no se diferencia de la de un evangelista".

Cuando Kennny Burrell y Alfred Lion discutieron la idea para Midnight Blue, el propósito fundamental era lograr que el espíritu del blues que conoció a fondo durante sus tempranos trabajos en bandas de Detroit quedara bien reflejado.

Prescindiendo del piano y con el deseo de rodearse de compañeros que sintieran el concepto profundo del blues tanto como él, se convocaron entonces a Stanley Turrentine para el saxo tenor, Major Holley para el contrabajo, Bill English para la batería y a Ray Barretto para imprimir cierto sabor latino con su conga.

El resultado de aquella grabación del 21 de Abril de 1967 en los estudios de Rudy Van Gelder no fue más que un disco prodigioso, completo de principio a fin, devenido en clásico y considerado como uno de los mejores discos de jazz-blues de todos los tiempos.

Tanto así que Leonard Feather inició sus "liner notes" con la impactante cita de Duke Ellington: "...el blues no es nada más que un día frío y gris, y toda una noche igual... el blues es un pasaje sin retorno desde tu amor hacia ninguna parte, el blues no es nada más que un velo negro como crespón listo para usar..." [elsonidodeljazz.blogspot.com.ar]

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This release contains the complete original Kenny Burrell LP Bluesin' Around (Columbia FC38507), which showcases the guitarist in a quintet format with such stars as Illinois Jacquet, Hank Jones, Brother Jack McDuff, Leo Wright, and Eddie Bert. In addition, all existing songs from the same sessions that weren't included on the original LP plus all but one of the existing alternate takes from the dates. The music is presented here chronologically, in order to avoid mixing the personnel from the different sessions.

Johnny 'Hammond' Smith • Breakout

Review by Thom Jurek

So this is what CTI was all about. Recorded in 1971, organist Johnny Hammond's debut for CTI is a blessed-out basket of blues and groove that covers some of the hot tunes of the day and some organ classics with enough soul power to melt the ice around the heart of even the staunchest jazz purist, who turned up his stuffed-up nose. First there's the lineup: Hammond with Hank Crawford and Grover Washington, Jr., Eric Gale, Airto, Billy Cobham, Danny Moore, and bassist Johnny Williams. It drips soul and popping riffs. Next there's the material: the 11-minute wade-in-the-swamp version of Carole King's "It's Too Late" with a stunning arrangement by Grover and a killer guitar break by Gale. (There is, on the reissue, a stunning live rendition of the track with George Benson subbing for Gale, Freddie Hubbard, and Stanley Turrentine in for Washington. It's longer, seemingly leaner, and quicker. It's a soul-deep river of good feel and slippery vamps.) Next is a bright, sunny, and shimmering version of Neil Sedaka's "Workin' on a Groovy Thing," with Hammond's organ doubling the interval up yet keeping the melody at an even flow. The horn section and Airto's accents literally pop in the middle of the tune, breaking the bridge down into a series of screaming grooves in counterpoint to the organ. The wildest organ workout is Leo Johnson's "Blue Selah." Rich in arpeggios and counterpoint by Gale, the legato is turned up to ten and Hammond never passes over a note -- he rings them all inside, outside, and punches them all up with frighteningly large right-handed chords. The final track on the original is Jimmy Smith's "Breakout," a driving, funky blues that feels more like Tony Joe White jamming with Jack McDuff than a Creed Taylor percussion. Cobham pushes his kit into overdrive and Hammond rises to the challenge as Gale plays one ostinato funk riff after another and the bass holds the groove static. By the time we reach the dueling saxophone solos, we've been through James Brown territory as well, on the good foot and in the deep well of greasy-assed funk and roll. This is a smoking album that runs the gamut of soul-jazz to hard funk and R&B seamlessly, but sweatily.

Artist Biography by Steve Huey

Actually nicknamed after his instrument, Johnny "Hammond" Smith was perhaps one of the more underrated soul-jazz organists of the style's heyday. Born John Robert Smith in Louisville, KY, on December 16, 1933, Smith began learning piano as a child, idolizing Bud Powell and Art Tatum early on. After moving to Cleveland, Smith heard jazz organ pioneer Wild Bill Davis and decided to switch instruments; he made his professional debut on the organ in 1958, around the same time he was working as an accompanist for vocalist Nancy Wilson. In 1959, he began recording as a leader for Prestige, an association that would last through 1970 and produce highlights like That Good Feelin', Talk That Talk, Black Coffee, Open House, Ebb Tide, and Soul Talk, among others. As time passed, Smith's style got progressively funkier, and in 1971, he shortened his name to Johnny Hammond and moved to producer Creed Taylor's CTI label family. Hammond recorded five jazz-funk albums over the next three years, including Breakout, Wild Horses/Rock Steady, and the Mizell Brothers-helmed Gambler's Life. In 1975, Hammond moved to Milestone and recorded the culmination of his move into jazz-funk, Gears, another collaboration with the Mizell Brothers that was reviled by purists and canonized by acid jazz fans. After a few more sessions for Milestone, Smith largely retired from jazz, settling in Southern California and investing in real estate. He began recording sporadically again in the '90s, but was stricken with cancer and died on June 4, 1997.

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Revisión por Thom Jurek

Así que esto es de lo que se trataba CTI. Grabado en 1971, el debut del organista Johnny Hammond para CTI es una canasta bendecida de blues y groove que cubre algunas de las melodías más candentes del día y algunos clásicos de órgano con suficiente poder para derretir el hielo en el corazón de todo el jazz más fuerte. Purista, quien levantó su nariz tapada. Primero está la alineación: Hammond con Hank Crawford y Grover Washington, Jr., Eric Gale, Airto, Billy Cobham, Danny Moore y el bajista Johnny Williams. Gotea el alma y revienta los riffs. Luego está el material: la versión de 11 minutos de Wade-in-the-Swamp de Carole King "It's Too Late" con un impresionante arreglo de Grover y un rompimiento de guitarra asesino de Gale. (En la reedición, hay una impresionante interpretación en vivo de la pista con George Benson sustituyendo a Gale, Freddie Hubbard y Stanley Turrentine en Washington. Es más largo, aparentemente más delgado y más rápido. Es un río de alma profunda que se siente bien. y los vampiros resbaladizos.) La siguiente es una versión brillante, soleada y brillante de "Workin 'on a Groovy Thing" de Neil Sedaka, con el órgano de Hammond duplicando el intervalo pero manteniendo la melodía en un flujo uniforme. La sección de la bocina y los acentos de Airto literalmente aparecen en el medio de la melodía, rompiendo el puente en una serie de estridentes gritos en contrapunto al órgano. El ejercicio de órgano más salvaje es el "Blue Selah" de Leo Johnson. Rico en arpegios y contrapunto de Gale, el legato se convierte en diez y Hammond nunca pasa una nota: los toca por dentro y por fuera y los golpea a todos con acordes de mano derecha terriblemente grandes. La última pista del original es "Breakout" de Jimmy Smith, un blues funky y funky que se parece más a Tony Joe White tocando con Jack McDuff que con una percusión de Creed Taylor. Cobham empuja su equipo a toda marcha y Hammond se enfrenta al desafío cuando Gale toca un riff funk de ostinato tras otro y el bajo mantiene la ranura estática. Cuando llegamos a los solos de saxofón en duelo, también hemos pasado por el territorio de James Brown, con el pie derecho y el pozo profundo del funk and roll grasiento. Este es un álbum humeante que abarca toda la gama de soul-jazz a hard funk y R&B a la perfección, pero sudoroso.

Biografía del artista por Steve Huey

Apodado en realidad por su instrumento, Johnny "Hammond" Smith fue quizás uno de los organistas de soul-jazz más subestimados del apogeo del estilo. Nacido como John Robert Smith en Louisville, KY, el 16 de diciembre de 1933, Smith comenzó a aprender a tocar el piano de niño, idolatrando a Bud Powell y Art Tatum desde el principio. Después de mudarse a Cleveland, Smith escuchó al pionero del órgano de jazz Wild Bill Davis y decidió cambiar de instrumento; Hizo su debut profesional en el órgano en 1958, casi al mismo tiempo que trabajaba como acompañante de la vocalista Nancy Wilson. En 1959, comenzó a grabar como líder de Prestige, una asociación que duraría hasta 1970 y producía destacados como That Good Feelin ', Talk That Talk, Black Coffee, Open House, Ebb Tide y Soul Talk, entre otros. A medida que pasaba el tiempo, el estilo de Smith se hizo cada vez más divertido y, en 1971, acortó su nombre a Johnny Hammond y se mudó a la familia del sello CTI del productor Creed Taylor. Hammond grabó cinco álbumes de jazz-funk en los próximos tres años, incluidos Breakout, Wild Horses / Rock Steady, y The Mamblell Brothers-Helmed Gambler's Life. En 1975, Hammond se mudó a Milestone y registró la culminación de su movimiento hacia el jazz-funk, Gears, otra colaboración con los hermanos Mizell que fue vilipendiada por los puristas y canonizada por los fanáticos del jazz ácido. Después de unas cuantas sesiones más para Milestone, Smith se retiró del jazz, se instaló en el sur de California e invirtió en bienes raíces. Comenzó a grabar esporádicamente de nuevo en los años 90, pero fue atacado por cáncer y murió el 4 de junio de 1997.

Simon Oslender • All That Matters

 

 

Johnny Lytle • Fast Hands

 

Review by Craig Lytle
It can be expected, in most cases, that Johnny Lytle will have a diverse selection of tunes for the listener. Lytle kicks this set off with "Sister Silver," a song written by the late vibist in honor of one of the lady elders from his hometown. With a piano-paced chorus introduction spiced up with a few saxophone riffs, Lytle patiently plays a single verse before giving way to the chorus introduction encore. As he returns to the verse, his oscillating mallets stroke the keys of the vibraphone with precision, concocting a swinging jazz melody which climaxes with a roaring saxophone solo by Houston Person. "Tomorrow" has a progressive jazzy rhythm arrangement contrasted by Lytle's pop delivery. And with a melody and rhythm that is indicative of its title, "Brightness" just bounces along with its effervescent spirit. Lytle tones it down on the midtempo vintage jazz composition, "Being Green," his vibes prudently shadowed every step of the way by the electric piano of Mickey Tucker; as Lytle poignantly expresses each lyric, Tucker hurls a stimulating exclamation. This number reaches its apex as Lytle and Tucker face off in an exchange of notes. Taken from his 1966 critically acclaimed album release The Loop, Lytle does another take on his former smash hit of the same year, "The Man," retaining the same groovin' rhythm but utilizing more notes from his sidemen. On the Duke Ellington standard "Blues to Be There," Lytle and Tucker humbly stroll through the intro, enabling Person to make a grand entrance by inflicting a bluesy saxophone on the first verse. Lytle counters with a melodious, titillating locution. This southern-seasoned blues number settles with Lytle, Tucker,and Person musing through the vamp. This is an enjoyable album.
https://www.allmusic.com/album/fast-hands-mw0000875208

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Reseña de Craig Lytle
Se puede esperar, en la mayoría de los casos, que Johnny Lytle tenga una selección diversa de melodías para el oyente. Lytle inicia este set con "Sister Silver", una canción escrita por el difunto vibist en honor a una de las ancianas de su ciudad natal. Con una introducción de coro a ritmo de piano aderezada con algunos riffs de saxofón, Lytle toca pacientemente un solo verso antes de dar paso al bis de introducción del coro. Cuando regresa al verso, sus mazos oscilantes tocan las teclas del vibráfono con precisión, inventando una melodía de jazz oscilante que culmina con un solo de saxofón rugiente de Houston Person. "Tomorrow" tiene un arreglo rítmico jazzístico progresivo en contraste con la entrega pop de Lytle. Y con una melodía y un ritmo indicativos de su título, "Brightness" simplemente rebota junto con su espíritu efervescente. Lytle lo atenúa en la composición de jazz vintage de medio tiempo, "Being Green", sus vibraciones prudentemente ensombrecidas a cada paso del camino por el piano eléctrico de Mickey Tucker; mientras Lytle expresa conmovedoramente cada letra, Tucker lanza una exclamación estimulante. Este número alcanza su punto máximo cuando Lytle y Tucker se enfrentan en un intercambio de notas. Tomado de su álbum aclamado por la crítica de 1966, The Loop, Lytle hace otra versión de su antiguo gran éxito del mismo año, "The Man", conservando el mismo ritmo de groovin' pero utilizando más notas de sus acompañantes. En el estándar de Duke Ellington "Blues to Be There", Lytle y Tucker pasean humildemente por la introducción, lo que permite a Person hacer una gran entrada al infligir un saxofón blues en el primer verso. Lytle contrarresta con una locución melodiosa y excitante. Este número de blues sazonado con el sur se asienta con Lytle, Tucker y Person reflexionando sobre el vampiro. Este es un álbum agradable.
https://www.allmusic.com/album/fast-hands-mw0000875208

 

 

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Shirley Scott • Queen Talk - Live At The Left Bank

 

Editorial Review:
Queen Talk: Live at the Left Bank is an official never before released concert recording from one of the greatest female jazz organists of all-time, Shirley Scott, featuring a powerhouse trio with George Coleman on tenor saxophone and Bobby Durham on drums, plus special guest vocalist Ernie Andrews on three tracks. The set was transferred from the original tape reels and features almost 100 minutes of music and is packaged in a gatefold sleeve with an extensive booklet with liner notes by acclaimed music writer A. Scott Galloway; rare photos by Don Schlitten and Raymond Ross, and memorabilia from the Left Bank archives; plus interviews with jazz organ icon Joey DeFrancesco, former Shirley Scott bandmate, saxophonist Tim Warfield, and pianist Monty Alexander reminiscing about drummer Bobby Durham. The set is co-produced by label owner musician Cory Weeds and renowned archival recording producer Zev Feldman.

The show was recorded at the Famous Ballroom in Baltimore Maryland on August 20, 1972 and hasn't ever been previously available. Philadelphia born Scott rose to fame in the late 1950s playing the Hammond B-3 organ influenced by blues and gospel evolving into '60s soul jazz. She recorded numerous albums for Prestige, Impulse!, Atlantic, Cadet and Candid performing with countless jazz legends including Stanley Turrentine, Oliver Nelson, Eddie "Lockjaw" Davis, Clark Terry and Kenny Burrell.

The 10-track set cooks on songs of the day like "By the Time I Get to Phoenix," "You Don't Mess Around With Jim," and "Never Can Say Goodbye," along with standards such as "Smile," "Witchcraft" and John Coltrane's "Impressions."


Review
by Matt Collar
Culled from the recording archives of the Baltimore-based Left Bank Jazz Society, Queen Talk: Live at the Left Bank captures organist Shirley Scott in a fiery 1972 performance. Best known for her '50s work with saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis, Scott had developed into a swaggeringly adept bandleader in her own right by the 1970s. For most of the decade prior, she had worked alongside her husband, tenor saxophonist Stanley Turrentine, helping to craft his funky, organic brand of soul-jazz. Divorced from Turrentine and having signed her own contract with Cadet Records, Scott had already embarked on her own career by the time she hit the stage in August 1972. Notably, most of her early recordings found her working with a bassist. The choice was largely a label attempt at setting her apart from other organists, but one that undermined her immense, multi-tasking keyboard abilities. Here, she handles both keyboard and bass duties, deftly laying down bass grooves via the Hammond B-3 foot pedals in the traditional organ style. Throughout, her playing is boldly harmonic and rhythmically assured, marked by thick chordal blasts that shimmer like waves in the sun. Riding those waves are drummer Bobby Durham and tenor saxophonist George Coleman (who valiantly carved out his own place in jazz history as the saxophonist after John Coltrane and before Wayne Shorter in Miles Davis' quintet). Coleman had just played on Scott's third Cadet album, Lean on Me. On this night, both musicians sound relaxed and ready to let loose. Let loose they do, tackling an inspired mix of standards and reworked contemporary billboard hits, including a driving version of Coltrane's "Impressions" in which Scott matches Coleman's edgy note choices line for line. They also dig into soulful readings of Jimmy Webb's "By the Time I Get to Phoenix" and Gloria Gaynor's "Never Can Say Goodbye," both full of earthy, golden-hour vibes, making the strong case that jazz musicians often sound the best when they put their own twist on unexpected pop tunes. Also jumping on board late in the set is singer Ernie Andrews, who brings his urbane, lover-man style to Jim Croce's "You Don't Mess Around with Jim" and a raucously playful take on "Girl Talk." During the introduction to "Girl Talk," Andrews encourages the audience to clap and give it up to Scott and her trio, calling her "the First Lady of Hammond." As the album implies, Scott was actually known as the "Queen of the Organ." Regardless of title, on Queen Talk: Live at the Left Bank, Scott is jazz royalty personified.
https://www.allmusic.com/album/queen-talk-live-at-the-left-bank-mw0003946927

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Reseña editorial:
Queen Talk: Live at the Left Bank es una grabación oficial inédita de un concierto de una de las mejores organistas de jazz de todos los tiempos, Shirley Scott, con un potente trío con George Coleman al saxo tenor y Bobby Durham a la batería, además del cantante invitado especial Ernie Andrews en tres temas. El disco se ha transferido de las cintas originales, contiene casi 100 minutos de música y se presenta en una carátula con un extenso libreto con notas del aclamado escritor musical A. Scott Galloway; fotos poco comunes de Don Schlitten y Raymond Ross, y recuerdos de los archivos de Left Bank; además de entrevistas con el icono del órgano de jazz Joey DeFrancesco, el antiguo compañero de banda de Shirley Scott, el saxofonista Tim Warfield, y el pianista Monty Alexander recordando al batería Bobby Durham. El disco ha sido coproducido por el músico Cory Weeds, propietario del sello, y el prestigioso productor de grabaciones de archivo Zev Feldman.

El espectáculo se grabó en el Famous Ballroom de Baltimore, Maryland, el 20 de agosto de 1972 y nunca antes había estado disponible. Scott, nacido en Filadelfia, saltó a la fama a finales de la década de 1950 tocando el órgano Hammond B-3 con influencias del blues y el gospel que evolucionaron hacia el soul jazz de los años 60. Grabó numerosos álbumes para Prestige, Impulse!, Atlantic, Cadet y Candid actuando con innumerables leyendas del jazz como Stanley Turrentine, Oliver Nelson, Eddie "Lockjaw" Davis, Clark Terry y Kenny Burrell.

El set de 10 pistas se cocina con canciones del momento como "By the Time I Get to Phoenix", "You Don't Mess Around With Jim" y "Never Can Say Goodbye", junto con estándares como "Smile", "Witchcraft" e "Impressions" de John Coltrane.


Reseña
por Matt Collar
Extraído de los archivos de la Left Bank Jazz Society de Baltimore, Queen Talk: Live at the Left Bank recoge la actuación de la organista Shirley Scott en 1972. Conocida sobre todo por su trabajo de los años 50 con el saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis, Scott se había convertido en los años 70 en una hábil directora de orquesta por derecho propio. Durante la mayor parte de la década anterior, había trabajado junto a su marido, el saxofonista tenor Stanley Turrentine, ayudando a crear su estilo funky y orgánico de soul-jazz. Divorciada de Turrentine y habiendo firmado su propio contrato con Cadet Records, Scott ya se había embarcado en su propia carrera cuando subió al escenario en agosto de 1972. En la mayoría de sus primeras grabaciones trabajaba con un bajista. La elección fue en gran medida un intento de la discográfica de diferenciarla de otros organistas, pero que socavó sus inmensas habilidades como teclista multitarea. Aquí, se encarga tanto del teclado como del bajo, estableciendo hábilmente los surcos del bajo a través de los pedales del Hammond B-3 al estilo tradicional del órgano. En todo momento, su interpretación es audazmente armónica y rítmicamente segura, marcada por gruesas explosiones de acordes que brillan como olas al sol. En esas olas están el batería Bobby Durham y el saxofonista tenor George Coleman (que se labró valientemente su propio lugar en la historia del jazz como saxofonista después de John Coltrane y antes de Wayne Shorter en el quinteto de Miles Davis). Coleman acababa de tocar en el tercer álbum de Scott Cadet, Lean on Me. Esta noche, ambos músicos suenan relajados y dispuestos a soltarse. Y así lo hacen, abordando una inspirada mezcla de standards y éxitos contemporáneos, incluyendo una versión de "Impressions" de Coltrane en la que Scott iguala línea a línea las enérgicas elecciones de notas de Coleman. También se adentran en lecturas conmovedoras de "By the Time I Get to Phoenix" de Jimmy Webb y "Never Can Say Goodbye" de Gloria Gaynor, ambas llenas de vibraciones terrenales y doradas, demostrando que los músicos de jazz a menudo suenan mejor cuando dan su propio giro a melodías pop inesperadas. El cantante Ernie Andrews también se unió a la banda al final del set, aportando su estilo urbano y enamoradizo a "You Don't Mess Around with Jim" de Jim Croce y a una versión estridente y juguetona de "Girl Talk". Durante la introducción de "Girl Talk", Andrews anima al público a aplaudir y rendirse a Scott y su trío, llamándola "la Primera Dama del Hammond". Como da a entender el álbum, Scott era en realidad conocida como la "Reina del Órgano". Independientemente del título, en Queen Talk: Live at the Left Bank, Scott es la realeza del jazz personificada.
https://www.allmusic.com/album/queen-talk-live-at-the-left-bank-mw0003946927

Monty Alexander Trio • Love Me Tender

 

Monty Alexander (Montgomery Bernard Alexander, Kingston, Jamaica, 6 de junio de 1944) es un pianista de jazz, que también toca la melódica. Su forma de tocar tiene una fuerte influencia de la música caribeña y del swing. Entre sus principales influencias se encuentran músicos de la talla de Art Tatum, Oscar Peterson, Wynton Kelly y Ahmad Jamal, entre otros.

Biografía[editar]

Alexander descubrió el piano a la edad de cuatro años, y empezó a tomar lecciones de música clásica a las seis. A los catorce ya tocaba en clubes nocturnos de Jamaica con su banda Monty and the Cyclones. A finales de la década de 1950 logró una gran notoriedad en Jamaica a pesar de su corta edad. En esos años viajó a Estados Unidos y tocó por primera vez con la orquesta de Art Mooney. Al poco tiempo ya acompañaba a destacados cantantes y músicos de primera categoría como Dizzy Gillespie, Toots Thielemans, Duke Ellington, Quincy Jones, Frank Sinatra, Jimmy Smith o Milt Jackson con quien entabló una amistad entrañable que duró hasta la muerte del vibrafonista, fundador del The Modern Jazz Quartet, en 1999.

Su estilo destaca por la fusión entre las raíces jamaicanas y el jazz estadounidense clásico, con una fuerte influencia caribeña. Sus influencias más notorias son Wynton Kelly, Art Tatum, Gene Harris y Ahmad Jamal.

Su trabajo más popular fue como pianista en el disco Unforgettable, de Natalie Cole, en el cual se rinde homenaje al cantante Nat King Cole y que estuvo primero en la lista de éxitos de Billboard en 1991.

[wiki]

Monty Alexander (born Montgomery Bernard Alexander on 6 June 1944 in Kingston, Jamaica) is a jazz pianist, who also sings and plays the melodica. His playing has a Caribbean influence and bright swinging feeling, with a strong vocabulary of bebop and soulful blues melodies. He was influenced by Oscar Peterson, Les McCann, Ahmad Jamal, and Wynton Kelly. Alexander is known for his surprise musical twists and the ability to build dramatic suspense in his playing.

Alexander discovered the piano when he was four years old, took classical music lessons at the age of six and became interested in jazz piano at the age of 14, and began playing in clubs, and on recording sessions by Clue J & His Blues Blasters, deputising for Aubrey Adams, whom he describes as his hero, when he was unable to play. Two years later, he directed a dance orchestra (Monty and the Cyclones) and played in the local clubs. Performances at the Carib Theater in Jamaica by Louis Armstrong and Nat King Cole left a strong impression on the young pianist.

Alexander and his family moved to Miami, Florida, in 1961. He went to New York City in 1962, where he started to play at Jilly Rizzo's jazz club Jilly's. In addition to performing with Frank Sinatra there, Alexander also met and became friends with bassist Ray Brown and vibist Milt Jackson. In California, in 1964, Alexander recorded his first album, Alexander the Great, for Pacific Jazz at the age of 20.

Alexander recorded with Milt Jackson in 1969, with Ernest Ranglin in 1974 and in Europe the same year with Ed Thigpen. He toured regularly in Europe and recorded there, mostly with his classic trio for MPS Records. He also toured around 1976 with the steelpan player Othello Molineaux. Alexander has also played with several singers such as Ernestine Anderson, Mary Stallings and other important leaders (Dizzy Gillespie, Benny Golson, Jimmy Griffin and Frank Morgan). In his successive trios, he has played frequently with musicians associated with Oscar Peterson: Herb Ellis, Ray Brown, Mads Vinding, Ed Thigpen and Niels-Henning Ørsted Pedersen.

In the mid-1970s he formed a group consisting of John Clayton on bass and Jeff Hamilton on drums, creating a stir on the jazz-scene in Europe. Their most famous collaboration (and arguably Alexander's finest album) is Montreux Alexander, recorded during the Montreux Jazz Festival in July 1976.

Alexander formed a reggae band in the 1990s, featuring all Jamaican musicians. He has released several reggae albums, including Yard Movement (1996), Stir It Up (1999, a collection of Bob Marley songs), Monty Meets Sly & Robbie (2000), and Goin' Yard (2001). He collaborated again with Ranglin in 2004 on the album Rocksteady.

Alexander married the American jazz guitarist Emily Remler in 1981. They divorced in 1985. Currently, Alexander is married to Italian jazz singer Catarina Zapponi.

[wiki]

www.montyalexander.com ...

Charlie Hunter Quartet • Natty Dread

 

Review by Bill Meredith
In choosing to record Bob Marley's classic 1974 reggae album Natty Dread track-for-track in an instrumental jazz style, eight-string guitarist Charlie Hunter opened himself up for skepticism. Yet an idea that looked questionable in theory would prove stellar in practice, as Hunter turned Natty Dread -- with the songs sequenced exactly as they were on Marley's original release -- into one of the best CDs of his career. Hunter's customized eight-string instrument and prodigious talent allow him to play simultaneous guitar melodies and basslines, but his Wurlitzer organ simulations and walking bass aren't the only highlights of the opening "Lively Up Yourself." Alto saxophonist Calder Spanier and tenorman Kenny Brooks alternate between swinging leads and supportive harmonies, and drummer Scott Amendola gets in creative solo flurries near the end. Hunter's beautiful intro to "No Woman, No Cry" echoes both Pat Martino and Django Reinhardt; the saxophonists' interplay and Amendola's clever rimshots, tom-toms, and cowbell work lively up "Them Belly Full." The secrets to Hunter's success lie in separate amplifiers for his instrument's guitar and bass portions; great wah-wah pedal work to achieve keyboard tones, and the requisite brain power to play basslines with both thumbs while fretting and fingerpicking the melodies. All are illustrated in readings of the tranquil "Rebel Music," energetic "So Jah Seh" and the shuffling title track. Throughout Natty Dread, reggae is implied more often than played, as Hunter and his quartet portray the fun they had in arranging these pieces with performances both swinging and stirring (even dropping an "I Shot the Sheriff" quote into "Bend Down Low"). Spanier died after Natty Dread's release when he was struck by a car, and Hunter subsequently moved from California to New York and restructured his band. There's no telling what might have come afterward from this quartet of two saxophonists, a drummer, and Hunter, the one-man guitarist, keyboardist, and bassist.
https://www.allmusic.com/album/natty-dread-mw0000099526

By Douglas Payne
May 1, 1997
From the surprisingly successful Blue Note Cover Series comes this exceptional disc by multi-talented eight-string guitarist Charlie Hunter. The 29-year old Hunter has made a thankfully unpredictable choice "covering" Bob Marley's influential and popular 1974 reggae classic Natty Dread. Hunter, heard here in a quartet with an alto, tenor sax and drums, resists the urge toward reverential readings and reggae clichés in this music. As a result, the soulful beauty of Marley's outstanding music shines through. Anyone familiar with Hunter's work in the ultra-cool quartet T.J. Kirk can expect another dose of thoughtful, sometimes funky -but always original -takes on somewhat familiar material.

Charlie Hunter, like Bill Frisell and John Abercrombie, can wield any sound he wants to from his guitar (an eight-string is only slightly less weird than Ron Escheté's unimaginably difficult seven-string guitar). Hunter can make his axe wail like an organ, ring like a pedal steel, whine with Hendrix-like feedback or sing like Grant Green on an especially soulful day. Hunter is comfortable in just about any style imaginable too—but he sticks mostly to very accessible playing. What he does with Marley's hit "No Woman, No Cry" is tender, passionate and unbelievably beautiful. It's origins are evident but the liners spell out the influence Bill Frisell and Ry Cooder (nice to see Cooder get his due for a change). Hunter's version has hit potential, and deserves to get widespread airplay. Everyone who heard this song while I played the disc (including my mother, who doesn't like jazz) was just hypnotized by it. Another hit-worthy tune is the marvelous version of the anthem-like "Revolution" which features the reeds. Hunter also kicks out the jams here, crafting a John Patton / John Zorn / Ed Cherry does James Brown groove on "Bend Down Low." And there's something appealing about the '70s Jeff Beck funk of "Lively Up Yourself" and "Talkin' Blues" too. Throughout, Hunter sounds inspired and interested—and the average listener will find as much to appreciate here. A very nice surprise worth checking out.

Another nice surprise is guitarist Fareed Haque's "cover" of Crosby, Stills, Nash and Young's 1970 "classic rock" album Deja Vu. Haque's incredible six-string talents (on classic guitar) and the acid-jazz appeal often overcome what could have been simply a smooth-jazz recollection of some hippy-dippy fun. A Blue Note concept (that must have sounded gimmicky on paper) turns out to yield some good, valuable music for the 1990s.
https://www.allaboutjazz.com/natty-dread-charlie-hunter-blue-note-records-review-by-douglas-payne

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Reseña de Bill Meredith
Al elegir grabar el clásico álbum de reggae Natty Dread de Bob Marley de 1974 pista por pista en un estilo instrumental de jazz, el guitarrista de ocho cuerdas Charlie Hunter se abrió al escepticismo. Sin embargo, una idea que parecía cuestionable en teoría resultaría estelar en la práctica, ya que Hunter convirtió a Natty Dread, con las canciones secuenciadas exactamente como estaban en el lanzamiento original de Marley, en uno de los mejores CD de su carrera. El instrumento personalizado de ocho cuerdas de Hunter y su prodigioso talento le permiten tocar melodías de guitarra y líneas de bajo simultáneas, pero sus simulaciones de órgano Wurlitzer y el bajo andante no son los únicos aspectos destacados de la apertura "Lively Up Yourself."El saxofonista alto Calder Spanier y el tenorista Kenny Brooks alternan entre pistas oscilantes y armonías de apoyo, y el baterista Scott Amendola se mete en ráfagas creativas en solitario cerca del final. La hermosa introducción de Hunter a "No Woman, No Cry" se hace eco tanto de Pat Martino como de Django Reinhardt; la interacción de los saxofonistas y los ingeniosos rimshots, tom-toms y cencerro de Amendola funcionan animadamente " Con el estómago lleno."Los secretos del éxito de Hunter radican en amplificadores separados para las partes de guitarra y bajo de su instrumento; un gran trabajo de pedales wah-wah para lograr tonos de teclado y la capacidad cerebral necesaria para tocar líneas de bajo con ambos pulgares mientras se preocupa y toca las melodías con los dedos. Todos están ilustrados en lecturas de la tranquila "Música Rebelde", la enérgica "So Jah Seh" y la pista que da título al álbum. A lo largo de Natty Dread, el reggae se insinúa con más frecuencia que cuando se toca, ya que Hunter y su cuarteto retratan la diversión que tuvieron al arreglar estas piezas con actuaciones tanto oscilantes como conmovedoras (incluso dejando caer una cita de "Le disparé al Sheriff" en "Agáchate"). Spanier murió después del lanzamiento de Natty Dread cuando fue atropellado por un automóvil, y Hunter posteriormente se mudó de California a Nueva York y reestructuró su banda. No se sabe qué podría haber salido después de este cuarteto de dos saxofonistas, un baterista y Hunter, el guitarrista, tecladista y bajista de un solo hombre.
https://www.allmusic.com/album/natty-dread-mw0000099526

Por Douglas Payne
1 de mayo de 1997
De la sorprendentemente exitosa serie de portadas Blue Note llega este excepcional disco del talentoso guitarrista de ocho cuerdas Charlie Hunter. Hunter, de 29 años, ha tomado una decisión afortunadamente impredecible al "cubrir" el influyente y popular clásico de reggae de Bob Marley de 1974 Natty Dread. Hunter, escuchado aquí en un cuarteto con saxo alto, tenor y batería, resiste el impulso hacia lecturas reverenciales y clichés reggae en esta música. Como resultado, brilla la belleza conmovedora de la excepcional música de Marley. Cualquiera que esté familiarizado con el trabajo de Hunter en el cuarteto ultra genial T. J. Kirk puede esperar otra dosis de tomas reflexivas, a veces funky, pero siempre originales, de material algo familiar.

Charlie Hunter, como Bill Frisell y John Abercrombie, puede manejar cualquier sonido que desee con su guitarra (una guitarra de ocho cuerdas es solo un poco menos extraña que la inimaginablemente difícil guitarra de siete cuerdas de Ron Escheté). Hunter puede hacer gemir su hacha como un órgano, sonar como un pedal de acero, gemir con comentarios similares a los de Hendrix o cantar como Grant Green en un día especialmente conmovedor. Hunter también se siente cómodo con casi cualquier estilo imaginable—pero se apega principalmente a tocar de manera muy accesible. Lo que hace con el éxito de Marley "No Woman, No Cry" es tierno, apasionado e increíblemente hermoso. Sus orígenes son evidentes, pero los liners explican la influencia de Bill Frisell y Ry Cooder (es bueno ver a Cooder recibir su merecido por un cambio). La versión de Hunter ha alcanzado potencial y merece una amplia difusión en el aire. Todos los que escucharon esta canción mientras tocaba el disco (incluida mi madre, a quien no le gusta el jazz) quedaron hipnotizados por ella. Otra melodía digna de éxito es la maravillosa versión del himno "Revolution" que presenta las cañas. Hunter también saca los atascos aquí, creando un ritmo de John Patton / John Zorn / Ed Cherry does James Brown en " Bend Down Low."Y también hay algo atractivo en el funk de Jeff Beck de los 70 de "Lively Up Yourself" y "Talkin 'Blues". En todo momento, Hunter suena inspirado e interesado, y el oyente promedio encontrará mucho que apreciar aquí. Una sorpresa muy agradable que vale la pena echarle un vistazo.

Otra agradable sorpresa es la "versión" del guitarrista Fareed Haque del álbum de "rock clásico" Deja Vu de Crosby, Stills, Nash y Young de 1970. Los increíbles talentos de seis cuerdas de Haque (en la guitarra clásica) y el atractivo del acid-jazz a menudo superan lo que podría haber sido simplemente un recuerdo suave de jazz de algo de diversión hippy-dippy. Un concepto de Blue Note (que debe haber sonado efectista en el papel) resulta producir música buena y valiosa para la década de 1990.
https://www.allaboutjazz.com/natty-dread-charlie-hunter-blue-note-records-review-by-douglas-payne

www.charliehunter.com ...

Calvin Keys • Blue Keys

 

Review
by Thom Jurek  
Since releasing Shaw-Neeq, his seminal 1971 Black Jazz debut album while still a member of Ray Charles' band, guitarist Calvin Keys has recorded only sporadically. In 1975 he issued an extremely worthy Black Jazz follow-up titled Proceed with Caution!, but joined Ahmad Jamal's group and didn't record as a leader until the mid-'80s. He signed with the venerable indie Wide Hive in 2000, issuing the crucial acid jazz classic Detours into Unconscious Rhythms. Blue Keys marks only his fourth outing for the label.

This nine-track set is performed by a star-studded cast that includes Gary Bartz on alto sax, Steve Turre on trombone and shells, Babatunde Lea on percussion, bassists Henry Franklin and Scott Brown, saxophonist Doug Rowan, drummers Thomas McRee and Mike Hughes, pianist/keyboardist Mike Rinta, organist Mike Blankenship, and pianist/producer Gregory Howe.

Set opener "Peregrine's Dive" juxtaposes jaunty post-bop, Latin rhythms, and elegant funk. Introduced by a minor modal piano, a sprightly jazzy guitar run, and Bartz's moaning alto, Turre's trombone enters atop a shuffling, breaking drum kit and double bass. Bartz solos first, weaving sumptuous lines around the band before Turre enters, pushing the crew with a rhythmic approach. Keys adds expansive vamps in direct interplay with trombone and drums. His solo weds complex, rhythmic chord voicings and fluid, edgy single-note runs. The jam ultimately swirls together, moving frenetically yet steadily. It's almost danceable. "CK 22" is introduced by a fingerpopping bass riff before keys and trombone decompress them with open modal circularity; playing both trombone and conch shells, Turre offers harmonic support while Keys delivers a deep blue solo. Speaking of blues, "At Arrival" showcases Keys' canny playing, atop a walking double bass, congas, and drums, while "Making Rain" is a funkier look at jazz-blues à la Phil Upchurch and T-Bone Walker. "Six to Seven" explores dub reggae, post-bop, blues, and funk. Keys' five-note theme is buoyed by brass and reeds atop bumping congas, taut basslines, and percussive syncopation. His guitar winds complex scales yet never abandons the groove. A much edgier blues appears in the title track. Initially, Keys revisits his journey with the Charles band, melding leads, chords, and vamps with a piano accent and swinging Chicago-style horns. Closer "BK 18" is the genuine jazz-funk article. A horn section vamp is urged by the drum kit to set up a frame for Keys, who makes use of Bob Marley's Get Up, Stand Up" in the lyric riff. Rhythmically inventive, Keys solos directly at them before letting the horn section exercise a lyric, harmonic motif that hovers between Fela Kuti and James Brown. The middle-eight breaks the jam open as horns, breaking drums, hypnotic bass, and a meandering keyboard line flow around and through his playing. Following Keys serpentine, cut-to-the-bone solo, the tune concludes with spacy dubwise effects and brassy authority. Though recorded eight years later, Blue Keys picks up where Electric Keys left off yet is more musically advanced and groove-centric. This is powerful stuff.
https://www.allmusic.com/album/blue-keys-mw0003740672

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Reseña
por Thom Jurek
Desde que lanzó Shaw-Neeq, su álbum debut seminal de Black Jazz de 1971 cuando aún era miembro de la banda de Ray Charles, el guitarrista Calvin Keys ha grabado solo esporádicamente. En 1975 publicó una muy valiosa continuación de Black Jazz titulada Proceed with Caution!, pero se unió al grupo de Ahmad Jamal y no grabó como líder hasta mediados de los 80. Firmó con el venerable indie Wide Hive en 2000, publicando el crucial clásico del acid jazz Detours into Unconsciente Rhythms. Blue Keys marca solo su cuarta salida para el sello.

Este conjunto de nueve pistas está interpretado por un elenco repleto de estrellas que incluye a Gary Bartz en saxo alto, Steve Turre en trombón y conchas, Babatunde Lea en percusión, los bajistas Henry Franklin y Scott Brown, el saxofonista Doug Rowan, los bateristas Thomas McRee y Mike Hughes. , el pianista y teclista Mike Rinta, el organista Mike Blankenship y el pianista y productor Gregory Howe.

El tema de apertura "Peregrine's Dive" yuxtapone alegre post-bop, ritmos latinos y elegante funk. Introducido por un piano modal menor, una ejecución de guitarra vivaz y jazzística y el gemido alto de Bartz, el trombón de Turre entra encima de una batería y un contrabajo que se arrastran y rompen. Bartz hace solos primero, tejiendo líneas suntuosas alrededor de la banda antes de que entre Turre, empujando al equipo con un enfoque rítmico. Keys agrega vampiros expansivos en interacción directa con trombón y batería. Su solo combina voces de acordes complejas y rítmicas y ejecuciones fluidas y vanguardistas de una sola nota. El atasco finalmente se arremolina, moviéndose frenéticamente pero de manera constante. Es casi bailable. "CK 22" es introducido por un riff de bajo antes de que las teclas y el trombón los descompriman con una circularidad modal abierta; Tocando tanto el trombón como las caracolas, Turre ofrece apoyo armónico mientras que Keys ofrece un solo azul profundo. Hablando de blues, "At Arrival" muestra la interpretación astuta de Keys, sobre un contrabajo ambulante, congas y batería, mientras que "Making Rain" es una mirada más funk al jazz-blues a lo Phil Upchurch y T-Bone Walker. "Six to Seven" explora el dub reggae, el post-bop, el blues y el funk. El tema de cinco notas de Keys está animado por metales y lengüetas encima de congas, líneas de bajo tensas y síncopas de percusión. Su guitarra toca escalas complejas pero nunca abandona el ritmo. Un blues mucho más afilado aparece en la canción principal. Inicialmente, Keys vuelve a visitar su viaje con la banda de Charles, fusionando solos, acordes y vampiros con un acento de piano y trompetas al estilo de Chicago. Closer "BK 18" es el artículo genuino del jazz-funk. El kit de batería insta a un vampiro de la sección de vientos a preparar un marco para Keys, quien hace uso de Get Up, Stand Up" de Bob Marley en el riff de la letra. Con inventiva rítmica, Keys toca solos directamente sobre ellos antes de dejar que la sección de vientos ejerza un motivo lírico y armónico que se cierne entre Fela Kuti y James Brown. El medio ocho rompe el atasco mientras trompetas, tambores que rompen, bajo hipnótico y una línea de teclado serpenteante fluyen alrededor y a través de su interpretación. Siguiendo a Keys serpentina, corte a- el solo de hueso, la melodía concluye con efectos dubwise espaciosos y autoridad estridente. Aunque se grabó ocho años después, Blue Keys continúa donde lo dejó Electric Keys, pero es musicalmente más avanzado y centrado en el ritmo. Este es un material poderoso.
https://www.allmusic.com/album/blue-keys-mw0003740672


www.calvinkeysjazz.com ...

VA • Droppin Science - Greatests Samples

Leyendas de Blue Note / Legends of Blue Note

Les McCann • New from the Big City

 

 

Biography by Thom Jurek
After leaving Gene McDaniels' employ in 1959, pianist Les McCann continually evolved his style from hard bop by incorporating his signature groove-based rhythms into soul-jazz, gospel, R&B, and funk. McCann's abilities also included his expressive, earthy, gravelly singing voice. He cut a slew of albums for Pacific Jazz beginning with 1960's The Truth. He signed to Atlantic in 1968 and a year later, recorded the live Swiss Movement with saxophonist Eddie Harris, netting iconic performances of "Compared to What?" and "Cold Duck Time." His Atlantic tenure (which lasted until 1976) netted a slew of popular titles and two consecutive now-influential electric jazz-funk albums: 1973's Invitation to Openness and 1974's Layers. He later recorded successful albums for ABC Impulse and A&M, including 1978's The Man, and then recorded on indies. He suffered a stroke in 1995 that left him partially paralyzed but began recording again, issuing the star-studded Pump It Up in 2002 and A Time Les Christmas in 2018. In 2023, Resonance Records released the archival, multi-disc Never a Dull Moment! Live from Coast to Coast 1966-1967.

McCann was born in Lexington, Kentucky in 1935. His siblings (a brother and three sisters) all sang in church. His father was a jazz fan and his mother liked to hum opera arias. He began taking piano lessons at six, but after only a few weeks, his teacher unexpectedly died. McCann continued teaching himself the piano while getting formal musical training in elementary and high school. He played tuba in the marching band and drums in the orchestra.

McCann joined the navy and, during his service, won a singing contest that resulted in an appearance on the nationally syndicated Ed Sullivan Show in 1956. After being honorably discharged, he moved to Los Angeles and formed a trio. McCann turned down an invitation to join the Cannonball Adderley Quintet in order to focus on his own music. The group's first gig was playing the Purple Onion in 1959 supporting Gene McDaniels, who hired them to back him on tour after that night. After leaving McDaniels' employ, McCann signed a solo deal with Pacific Jazz. In 1960, Les McCann Ltd. Plays the Truth and The Shout appeared. His soulful, funk style on piano was influential on emerging musicians, resonated with veterans, and was popular with live audiences.

He recorded a dozen albums for Pacific Jazz between 1960 and 1967, including Les McCann Ltd. in New York with Blue Note stars Stanley Turrentine and Blue Mitchell, and Les McCann Sings with the Gerald Wilson Orchestra. Despite the latter's release in 1961, McCann's singing was only occasional both live and on recordings; he didn't begin using vocals as a key part of his act until the middle of the decade. During his time with Pacific Jazz, McCann issued collaborative albums with the Jazz Crusaders, Richard "Groove" Holmes, and several others. 1963's Plays the Shampoo at the Village Gate, netted a number three single with the title track. Though pianist Ramsey Lewis was already recording, McCann's 1963 album influenced the latter's mid-'60s live recordings such as The In Crowd and Dancing in the Street.

McCann moved over to Limelight in 1965/1967 on the way to Atlantic in 1968. Swiss Movement, his label debut, was recorded in collaboration with saxophonist Eddie Harris at the Montreux Jazz Festival. They hadn't rehearsed before the gig and Harris hadn't even seen their music. The record was a smash, thanks in part to McCann's vocals on their reading of McDaniels' "Compared to What?" (McCann's signature tune), and Harris contributed the massively funky "Cold Duck Time." The album won airplay internationally and charted. (Another volume, Second Movement, appeared in 1971 to critical acclaim, but didn't sell as well.)

Some jazz critics felt McCann emphasized his singing at the expense of his and his sidemen's playing, but the listening public didn't agree, and they were right not to: Recordings from the period, like 1971's Comment and 1972's Talk to the People, are both excellent. Joel Dorn, McCann's producer at the label, encouraged his singing and his use of an electric piano and analog synthesizers. For 1973's Invitation to Openness, McCann and Dorn hired a 13-piece band that included Yusef Lateef, guitarists Cornell Dupree and David Spinozza, and five percussionists/drummers that included Alphonse Mouzon, William "Buck" Clarke, Ralph McDonald, and Bernard Purdie. McCann's sidemen, bassist Jimmy Rowser and drummer percussionist Donald Dean, were also aboard. McCann played electric piano and synth; he also conducted without charts or formal instructions across three largely improvised, vamp-and-groove-laden jazz-funk jams that included an improvised, side-long track titled "The Lovers." It notched perfectly with the early electric releases of Miles Davis (In a Silent Way, Jack Johnson, Bitches Brew) and Weather Report (I Sing the Body Electric).

He followed with the even more revolutionary Layers in 1973. Retaining his trio, and McDonald and Clarke from the former outing, Layers revealed McCann's love of the ARP synthesizer (he also played piano and electric piano) and led him to attempt his own re-creation of an orchestra with it using the sounds of strings, reeds, winds, etc. The band, meanwhile, stuck close to a prescription of airy, gritty, jazz-funk. Both Invitation to Openness and Layers have found several more generations of listeners, particularly among electronic music and hip-hop fans.

He followed it with Live at Montreux at the end of 1973 with Clarke filling out his quartet, and completed his Atlantic label deal with three lushly arranged, elegantly orchestrated, criminally underrated gems of progressive soul: 1974's Another Beginning, 1975's Hustle to Survive, and 1976's River High, River Low.

After his tenure on Atlantic, McCann continued to tour the globe, but recorded far less often. Music Lets Me Be and Change, Change, Change: Live at the Roxy both appeared from ABC Impulse in 1977, but by then McCann had inked a deal with A&M.

Les McCann The Man appeared in 1978. Motown producer/arranger Paul Riser tried to adorn McCann's funky rhythms with smooth horns and soft strings, hoping its gorgeously recorded results would translate into commercial dance music. It didn't. The very next year, producers Benny Golson and Bobby Martin brought McCann into an L.A. studio with the intention of making him a latter-day disco star and hired an army of slick session players to ensure it. That it didn't work, given McCann's fierce independent streak, is no surprise.

McCann continued to tour but didn't record again until releasing The Longer You Wait and Music Box for Jam Records during the mid-'80s. He teamed with saxophonist Houston Person for CTI in 1984. Interestingly, he played only acoustic piano on the date. Between 1988 and 1990, McCann released three albums for as many labels, but in 1994, he surprised critics with On the Soul Side, for MusicMasters. A collection of jazz instrumentals, McCann led a quintet that included saxophonist Keith Anderson, trumpeter Jeff Elliott, bassist Abraham Laboriel, and drummer Tony St. James. The only vocal on the set was a medley of "Lift Every Voice and Sing/America the Beautiful" with Lou Rawls. The album received uniformly positive reviews.

McCann suffered a debilitating stroke in 1995, but was undaunted. While his ability to play piano was seriously compromised, his singing voice wasn't. As soon as he was strong enough, he recorded Listen Up! with a stellar cast that included pianist George Duke, saxophonists Ernie Watts and Anderson, guitarists David T. Walker and Dori Caymmi, organist Billy Preston and steel drummer Andy Narell among others. McCann sang on only two selections, but the recording was well received given the band's fine performance.

McCann returned to a more active schedule during 1996. He worked jazz rooms across the U.S., Europe, and Japan, often with a second keyboardist. In 1997 he released the collaborative Pacifique with European keyboardist Joja Wendt. A series of duets finds McCann comping on a Fender Rhodes piano underneath his gravelly voice with assistance from Wendt's acoustic piano. Many of its tunes are remakes of past McCann rousers like his read of Marvin Gaye's "What's Goin' On," plus "With These Hands" and "Cold Duck Time" (dedicated to the memory of Eddie Harris). McCann also offers a couple of barrelhouse roof raisers, the spirituals "Amazing Grace" and "Prince of Peace," and the standard "What a Wonderful World." Pacifique was largely celebrated by critics.

Again, McCann lived on the road with a pick-up band, dividing his time between gigs in Europe, Asia, and to a lesser degree, the U.S. In 2002, McCann surprised critics and fans alike with Pump It Up, a guest-heavy celebration of funk and jazz released on ESC Records. Among the musicians who appeared were Anderson, organist Ricky Peterson, bassist Marcus Miller, vocalist Dianne Reeves, drummer Paulinho Da Costa, vocalist Bonnie Raitt, saxophonist Maceo Parker, and many more. McCann didn't play on the record but sang and rapped. The potent set highlighted a new version of "The Truth" from his Pacific Jazz debut; it featured his modern-day vocal dubbed over the original piano trio's recording. In 2018, McCann self-released A Time Les Christmas.

Back in 2012, McCann met jazz pianist Joe Alterman on the stage of the Blue Note in New York. They became fast and enduring friends despite their age difference (more than half-a-century). The pair spoke nearly every day after that meeting. In August 2023, the younger man issued Joe Alterman Plays Les McCann: Big Mo & Little Joe consisting of ten Les originals and "Don't Forget to Love Yourself," co-written by the pair.

In December, producer and jazz detective Zev Feldman, in association with Resonance Records, issued Never a Dull Moment! Live from Coast to Coast 1966-1967. It captured McCann's excellent mid-'60s trios playing at Seattle's legendary Penthouse club and The Village Vanguard. Les McCann died on December 29, 2023 from pneumonia; he was 88 years of age.
https://www.allmusic.com/artist/les-mccann-mn0000245760#biography

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Biografía de Thom Jurek
Después de dejar el empleo de Gene McDaniels en 1959, el pianista Les McCann evolucionó continuamente su estilo del hard bop incorporando sus ritmos característicos basados en el groove al soul-jazz, gospel, R&B y funk. Las habilidades de McCann también incluían su voz expresiva, terrenal y grave para cantar. Grabó una gran cantidad de álbumes para Pacific Jazz a partir de The Truth de 1960. Firmó con Atlantic en 1968 y un año después grabó the live Swiss Movement con el saxofonista Eddie Harris, obteniendo actuaciones icónicas de "Compared to What?"y" Tiempo de Pato Frío."Su mandato en Atlantic (que duró hasta 1976) obtuvo una gran cantidad de títulos populares y dos álbumes consecutivos de jazz-funk eléctrico ahora influyentes: Invitation to Openness de 1973 y Layers de 1974. Más tarde grabó álbumes exitosos para ABC Impulse y A & M, incluido The Man de 1978, y luego grabó en indies. Sufrió un derrame cerebral en 1995 que lo dejó parcialmente paralizado, pero comenzó a grabar de nuevo, publicando Pump It Up, repleto de estrellas, en 2002 y Time Les Christmas en 2018. En 2023, Resonance Records lanzó el archivo multidisco Never a Dull Moment! En vivo de costa a costa 1966-1967.

McCann nació en Lexington, Kentucky, en 1935. Sus hermanos (un hermano y tres hermanas) cantaban en la iglesia. Su padre era fanático del jazz y a su madre le gustaba tararear arias de ópera. Comenzó a tomar lecciones de piano a los seis años, pero después de solo unas pocas semanas, su maestra murió inesperadamente. McCann continuó aprendiendo piano por sí mismo mientras recibía capacitación musical formal en la escuela primaria y secundaria. Tocaba la tuba en la banda de música y la batería en la orquesta.

McCann se unió a la marina y, durante su servicio, ganó un concurso de canto que resultó en una aparición en el programa sindicado a nivel nacional Ed Sullivan Show en 1956. Después de ser dado de baja honorablemente, se mudó a Los Ángeles y formó un trío. McCann rechazó una invitación para unirse al Quinteto Cannonball Adderley con el fin de concentrarse en su propia música. El primer concierto del grupo fue tocando The Purple Onion en 1959 como teloneros de Gene McDaniels, quien los contrató para que lo respaldaran en la gira después de esa noche. Después de dejar el empleo de McDaniels, McCann firmó un contrato en solitario con Pacific Jazz. En 1960, Les McCann Ltd. Toca la Verdad y apareció el Grito. Su estilo conmovedor y funk al piano influyó en los músicos emergentes, resonó entre los veteranos y fue popular entre el público en vivo.

Grabó una docena de álbumes para Pacific Jazz entre 1960 y 1967, incluido Les McCann Ltd. en Nueva York con Blue Note está protagonizada por Stanley Turrentine y Blue Mitchell, y Les McCann canta con la Orquesta Gerald Wilson. A pesar del lanzamiento de este último en 1961, McCann cantaba ocasionalmente tanto en vivo como en grabaciones; no comenzó a usar la voz como parte clave de su actuación hasta mediados de la década. Durante su tiempo con Pacific Jazz, McCann publicó álbumes colaborativos con the Jazz Crusaders, Richard "Groove" Holmes y varios otros. Plays the Shampoo at the Village Gate de 1963, obtuvo un sencillo número tres con la canción principal. Aunque el pianista Ramsey Lewis ya estaba grabando, el álbum de McCann de 1963 influyó en las grabaciones en vivo de mediados de los 60 de este último, como The In Crowd y Dancing in the Street.

McCann pasó a ser el centro de atención en 1965/1967 de camino al Atlántico en 1968. Swiss Movement, su debut en el sello, fue grabado en colaboración con el saxofonista Eddie Harris en el Festival de Jazz de Montreux. No habían ensayado antes del concierto y Harris ni siquiera había visto su música. El disco fue un éxito, gracias en parte a la voz de McCann en su lectura de McDaniels " Compared to What?"(La melodía característica de McCann), y Harris contribuyeron con el masivamente funky " Cold Duck Time."El álbum ganó difusión internacional y se ubicó en las listas de éxitos. (Otro volumen, Second Movement, apareció en 1971 con gran éxito de crítica, pero no se vendió tan bien.)

Algunos críticos de jazz sintieron que McCann enfatizó su canto a expensas de su interpretación y la de sus acompañantes, pero el público oyente no estuvo de acuerdo, y tenían razón en no hacerlo: Las grabaciones de la época, como Comment de 1971 y Talk to the People de 1972, son excelentes. Joel Dorn, productor de McCann en el sello, lo alentó a cantar y a usar un piano eléctrico y sintetizadores analógicos. Para Invitation to Openness de 1973, McCann y Dorn contrataron a una banda de 13 integrantes que incluía a Yusef Lateef, los guitarristas Cornell Dupree y David Spinozza, y cinco percusionistas / bateristas que incluían a Alphonse Mouzon, William "Buck" Clarke, Ralph McDonald y Bernard Purdie. Los acompañantes de McCann, el bajista Jimmy Rowser y el baterista percusionista Donald Dean, también estaban a bordo. McCann tocaba piano eléctrico y sintetizador; también dirigió sin listas de éxitos ni instrucciones formales en tres improvisaciones de jazz-funk cargadas de vampiros y ritmos que incluían una pista improvisada de larga duración titulada " The Lovers."Encajó perfectamente con los primeros lanzamientos eléctricos de Miles Davis (In a Silent Way, Jack Johnson, Bitches Brew) y Weather Report(Canto the Body Electric).

Siguió con las Capas aún más revolucionarias en 1973. Reteniendo a su trío, y a McDonald y Clarke de la salida anterior, Layers reveló el amor de McCann por el sintetizador ARP (también tocaba el piano y el piano eléctrico) y lo llevó a intentar su propia recreación de una orquesta con él utilizando los sonidos de cuerdas, lengüetas, vientos, etc. La banda, mientras tanto, se apegó a una receta de jazz-funk aireado, arenoso. Tanto la invitación a la apertura como las Capas han encontrado varias generaciones más de oyentes, particularmente entre los fanáticos de la música electrónica y el hip-hop.

Lo siguió con Live at Montreux a fines de 1973 con Clarke completando su cuarteto, y completó su contrato con Atlantic Label con tres gemas del soul progresivo lujosamente arregladas, elegantemente orquestadas y criminalmente subestimadas: Another Beginning de 1974, Hustle to Survive de 1975 y River High, River Low de 1976.

Después de su permanencia en Atlantic, McCann continuó recorriendo el mundo, pero grabó con mucha menos frecuencia. Music Lets Me Be y Change, Change, Change: Live at the Roxy aparecieron en ABC Impulse en 1977, pero para entonces McCann había firmado un contrato con A&M.

Les McCann El Hombre apareció en 1978. El productor/arreglista de Motown, Paul Riser, intentó adornar los ritmos funky de McCann con suaves trompas y cuerdas suaves, con la esperanza de que sus resultados magníficamente grabados se tradujeran en música de baile comercial. Al año siguiente, los productores Benny Golson y Bobby Martin llevaron a McCann a un estudio de Los Ángeles con la intención de convertirlo en una estrella disco de los últimos días y contrataron a un ejército de hábiles músicos de sesión para garantizarlo.  Que no funcionó, dada la feroz racha independiente de McCann, no es de extrañar.

McCann continuó de gira, pero no volvió a grabar hasta que lanzó The Longer You Wait y Music Box para Jam Records a mediados de los 80. Se asoció con el saxofonista Houston Person para CTI en 1984. Curiosamente, solo tocó el piano acústico en la cita. Entre 1988 y 1990, McCann lanzó tres álbumes para otros tantos sellos, pero en 1994 sorprendió a la crítica con On the Soul Side, para MusicMasters. McCann, una colección de instrumentos de jazz, dirigió un quinteto que incluía al saxofonista Keith Anderson, el trompetista Jeff Elliott, el bajista Abraham Laboriel y el baterista Tony St.James. La única voz en el set fue un popurrí de "Lift Every Voice and Sing / America the Beautiful" con Lou Rawls. El álbum recibió críticas uniformemente positivas.

McCann sufrió un derrame cerebral debilitante en 1995, pero no se desanimó. Si bien su habilidad para tocar el piano estaba seriamente comprometida, su voz para cantar no lo estaba. ¡Tan pronto como estuvo lo suficientemente fuerte, grabó Listen Up! con un elenco estelar que incluyó al pianista George Duke, los saxofonistas Ernie Watts y Anderson, los guitarristas David T. Walker y Dori Caymmi, el organista Billy Preston y el baterista de steel Andy Narell, entre otros. McCann cantó en solo dos selecciones, pero la grabación fue bien recibida dada la excelente actuación de la banda.

McCann volvió a un horario más activo durante 1996. Trabajó en salas de jazz en los EE. UU., Europa y Japón, a menudo con un segundo tecladista. En 1997 lanzó la colaboración Pacifique con la tecladista europea Joja Wendt. Una serie de duetos encuentra a McCann tocando un piano Fender Rhodes debajo de su voz grave con la ayuda del piano acústico de Wendt. Muchas de sus canciones son remakes de pasados McCann rousers, como su lectura de "What's Goin' On" de Marvin Gaye, más "With These Hands" y " Cold Duck Time "(dedicada a la memoria de Eddie Harris). McCann también ofrece un par de elevadores de techo barrelhouse, los espirituales "Amazing Grace" y "Prince of Peace", y el estándar " What a Wonderful World."Pacifique fue ampliamente celebrado por la crítica.

Nuevamente, McCann vivía de gira con una banda de pick-up, dividiendo su tiempo entre conciertos en Europa, Asia y, en menor grado, en los EE.UU. En 2002, McCann sorprendió a críticos y fanáticos por igual con Pump It Up, una celebración del funk y el jazz con muchos invitados lanzada en ESC Records. Entre los músicos que aparecieron se encontraban Anderson, el organista Ricky Peterson, el bajista Marcus Miller, la vocalista Dianne Reeves, el baterista Paulinho Da Costa, la vocalista Bonnie Raitt, el saxofonista Maceo Parker y muchos más. McCann no tocó en el disco, pero cantó y rapeó. El potente set destacó una nueva versión de "The Truth" de su debut en Pacific Jazz; presentaba su voz moderna doblada sobre la grabación original del trío de piano. En 2018, McCann se autoeditó Una vez Les Christmas.

En 2012, McCann conoció al pianista de jazz Joe Alterman en el escenario del Blue Note en Nueva York. Se convirtieron en amigos rápidos y duraderos a pesar de su diferencia de edad (más de medio siglo). La pareja habló casi todos los días después de esa reunión. En agosto de 2023, the younger emitió Joe Alterman Plays Les McCann: Big Mo & Little Joe que consta de diez Les originals y "Don't Forget to Love Yourself", coescrita por la pareja.

En diciembre, el productor y detective de jazz Zev Feldman, en asociación con Resonance Records, emitió Never a Dull Moment! En vivo de costa a costa 1966-1967. Capturó los excelentes tríos de McCann de mediados de los 60 tocando en el legendario Penthouse club de Seattle y el Village Vanguard. Les McCann murió el 29 de diciembre de 2023 de neumonía; tenía 88 años de edad.
https://www.allmusic.com/artist/les-mccann-mn0000245760#biography

www.lesmccannunlimited.com ...

Hank Jacobs • East side [single]

 

Stanley Turrentine • Hustlin' (RVG-edition)

Review by Scott Yanow

This is a typically excellent recording from the husband-wife team of tenor saxophonist Stanley Turrentine and organist Shirley Scott. With assistance from guitarist Kenny Burrell, bassist Bob Cranshaw, and drummer Otis Finch, Turrentine (who always had the skill of playing melodies fairly straight but with his own brand of soul) and Scott dig into "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble," "Something Happens to Me," a couple of basic originals, and "Goin' Home." The Turrentine-Scott team never made an unworthy disc; all are easily recommended, including this one.

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Revisión por Scott Yanow

Esta es una grabación típicamente excelente del equipo de marido y esposa del saxofonista tenor Stanley Turrentine y la organista Shirley Scott. Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Otis Finch, Turrentine (quien siempre tuvo la habilidad de tocar melodías bastante claras pero con su propia marca de soul) y Scott se suman a "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble, "" Algo me pasa ", un par de originales básicos y" Goin 'Home ". El equipo de Turrentine-Scott nunca hizo un disco indigno; Todos son fácilmente recomendables, incluido este.

The White Blinds • PRESHEATECHA!

 

 

Description from Bandcamp / F-Spot Records: Since their debut LP in 2018, The White Blinds have been steadily making a mark on the soul-jazz scene by consistently offering a unique style to the classic organ trio format. Building on that foundation, The White Blinds proudly announce their sophomore LP "PRESHEATECHA!" (pronounced pre-she-ate-cha). From the body movin' and hip-shaking single "Cal High" to the Jackie Metoo-inspired "Struttin'," rounded out with the Chester Thompson'esque organ-driven "Bay To L.A.," this LP showcases both strong songwriting and tasteful musicianship from start to finish. With the signature open drum tones of Michael Duffy to the gritty guitar stylings of Matt Hornbeck rounded out with the low-end and soaring melodic passages of organist Carey Frank, The White Blinds hold their own in the ever-evolving world of what it means to be an organ trio. "PRESHEATECHA!" is a step forward, pushing the limits of a group whose music can best be described as instrumental soul-jazz with a backdrop of Los Angeles flair. https://thewhiteblinds.bandcamp.com/

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Descripción de Bandcamp / F-Spot Records: Desde su debut LP en 2018, The White Blinds han estado dejando una marca en la escena del soul-jazz al ofrecer consistentemente un estilo único al clásico formato de trío de órgano. Sobre esa base, The White Blinds anuncian con orgullo su segundo LP "PRESHEATECHA!" (pronunciado pre-she-ate-cha). Desde el sencillo que mueve el cuerpo y sacude las caderas "Cal High" hasta el "Struttin'" inspirado en Jackie Metoo, redondeado con el "Bay To L.A." impulsado por el órgano al estilo de Chester Thompson, este LP muestra tanto una sólida escritura de canciones como una musicalidad de buen gusto de principio a fin. Con los característicos tonos abiertos de batería de Michael Duffy y los estilos de guitarra ásperos de Matt Hornbeck redondeados con los pasajes de bajo y melódicos soaring del organista Carey Frank, The White Blinds mantienen su lugar en el mundo en constante evolución de lo que significa ser un trío de órgano. "PRESHEATECHA!" es un paso adelante, empujando los límites de un grupo cuya música puede describirse mejor como soul-jazz instrumental con un trasfondo de sabor de Los Ángeles. https://thewhiteblinds.bandcamp.com/ 

 

Ramsey Lewis • Appassionata

 

 

Biography

Pianist and composer Ramsey Lewis has been a major figure in contemporary jazz since the late '50s, playing music with a warm, open personality that's allowed him to cross over to the pop and R&B charts. Lewis was born in Chicago, Illinois on May 27, 1935, and was introduced to music by his father, who directed the choir at a local church and enjoyed the music of Duke Ellington and Art Tatum. Lewis began studying the piano when he was four years old, and was soon accompanying the choir at Sunday services. At the age of 15, he joined a jazz combo called the Cleffs, who played at parties and dances. Lewis was interested in a leaner, more bebop-oriented sound, and when the group splintered after several members joined the military, he formed the Ramsey Lewis Trio with two other former Cleffs, bassist Eldee Young and percussionist Redd Holt. The trio became a fixture on the Chicago jazz scene, and they were signed to a deal with Chess Records, releasing their first album, Ramsey Lewis & His Gentlemen of Jazz, in 1956.

Lewis and his trio continued to record and tour steadily over the years, building a sizable audience among jazz fans, but their career received a serious boost in 1965, when they recorded a swinging version of Dobie Gray's hit "The In Crowd" at a gig in Washington, D.C. Chess released the track as a single, and it became a sizable pop hit, earning Lewis his first gold record, as well as a Grammy Award for Best Jazz Performance. As Lewis' star rose, he returned to the pop charts in 1966 with versions of "Hang on Sloopy" and "Wade in the Water." Meanwhile, Young and Holt left Lewis' trio to form their own group, Young-Holt Unlimited, and the pianist hired a new rhythm section, Cleveland Eaton on bass and Maurice White on drums.

In 1970, White resigned to form his own group, and Morris Jennings signed on as the trio's new percussionist. Lewis continued to record for Chess until 1972, when he moved to Columbia Records, and as his music developed a more contemporary groove, White's group, Earth, Wind & Fire (also on Columbia), was beginning to enjoy considerable success on the R&B charts. White produced Lewis' 1974 album, Sun Goddess, in which he experimented with electronic keyboards for the first time, and several members of EWF played on the sessions; it became a major crossover hit and took Lewis to the upper ranks of the smooth jazz/fusion scene. Lewis would record R&B-influenced material through the '70s, but continued to explore his roots in more traditional jazz sounds as well as Latin rhythms. In 1983, he went into the studio with Eldee Young and Redd Holt for the album Reunion; in 1984, he collaborated with Nancy Wilson on The Two of Us; in 1988, he recorded with London's Philharmonia Orchestra for the album A Classic Encounter, and in 1989, Lewis and Dr. Billy Taylor cut a set of piano duets, We Meet Again.

In 1992, Lewis signed with the successful jazz label GRP Records, and in 1995, he launched the side project Urban Knights, in which he collaborated with a handful of successful crossover jazz stars, including Grover Washington, Jr., Earl Klugh, and Dave Koz. In 1997, Lewis added disc jockey to his résumé, hosting a popular show on Chicago's WNUA-FM that ran until 2009; the show went into syndication in 2006 under the name Legends of Jazz with Ramsey Lewis, and is still on the air. In 2005, Lewis looked back on his roots in gospel music with the album With One Voice, which earned him the Stellar Gospel Music Award for Best Gospel Instrumental Album. In 2007, he was commissioned to write a jazz ballet for the Joffrey Ballet Company, and "To Know Her..." debuted at Highland Park, Illinois' Ravina Music Festival, where Lewis is artistic director of the festival's jazz series, and helped found their Jazz Mentor Program.

Lewis has also written several pieces for string ensemble and orchestra that have premiered at Ravina; highlights were featured on the 2009 album Songs from the Heart: Ramsey Plays Ramsey, his first release from Concord Records. In addition to his work as a performer, composer, educator, and disc jockey, Lewis has received five honorary doctorate degrees, won the National Endowment for the Arts' Jazz Master Award in 2007, and is one of the few noted jazz artists to carry the Olympic Torch, having briefly escorted the flame as it passed through Chicago en route to the 2002 Winter Games. In 2011, he delivered Taking Another Look, a reworking of his classic 1974 electric jazz-funk album Sun Goddess. The album was reissued in a deluxe package with bonus tracks in 2015. Two years later, Lewis was a featured guest on pianist Alan Storeygard's trio album New Directions.

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Biografía

Pianist and composer Ramsey Lewis ha sido la mayor figura en el jazz contemporáneo de los 50 ', la música de la música con el calentamiento, la posibilidad de abrir la puerta a través de que el punto de intersección hacia el pop y los R & B. , Que se estrenó en Chicago, Illinois el 27 de mayo de 1935, y fue introducida a la música por su padre, quien dirigió el choir a la iglesia local y disfrutó de la música de Duke Ellington y Tatu. Lewis inició el piano cuando era cuatro años, y estaba pronto acompañando el choir at Sunday services. En la edad de 15, he unido el jazz combo llamado los Cleffs, que jugó en partidos y danzas. Y en el caso de que el grupo se filtró después de varios miembros se unió al ejército, se formó el Ramsey Lewis Trio con otros dos viejos Cleffs, bassist Eldee Young y percussionist Redd Holt. En el año 1956, Ramsey Lewis y su grupo de jazz, en 1956, se convirtieron en el primer álbum, Ramsey Lewis y su Gentlemen de Jazz.

En el año 1965, cuando se registró la swinging version de Dobie Gray, el éxito "The In Crowd" en el gigantes de la banda, en Washington, DC Chess liberado el track a a single, y se convirtió en el pop pop pop, earning Lewis su primer oro de registro, así como el Premio Grammy para el mejor Jazz Performance. En el año 1966 con las versiones de "Hang on Sloopy" y "Wade in the Water." , Y el pianist hired a new rhythm section, Cleveland Eaton on bass y Maurice White on drums.

En 1970, White resigned a formar su propio grupo, y Morris Jennings firmado en el trio's new percussionist. En el caso de que se trate de una película de la saga de la saga de la saga de la saga de la saga, . "White Chain Lewis '1974 álbum, Sun Goddess, in que he experimentado con las teclas electrónicas para el primer equipo, y varios miembros de EWF jugado en las sesiones; que se convirtió en el mayor crossover hit y tomó Lewis a las ranas ranas del jazz / fusión de la música. En el caso de que se produzca un error en el registro de R & B-sustan material a través de los 70, pero continúe explorando su raíz en más tradicional jazz de los sonidos así como Latin rhythms. En 1983, he estado en el estudio con Eldee Young y Redd Holt para el álbum Reunion; en 1984, había colaborado con Nancy Wilson en los dos de nosotros; y en el año 1989, Lewis y el Dr. Billy Taylor cortaron el set del piano duets, We Meet Again.

En 1992, Lewis firmó con el éxito de la película de jazz Recordset, y en 1995, he lanzado el lado del proyecto Urban Knights, en el que he colaborado con el handful de exitoso crossover jazz estrellas, incluyendo Grover Washington, Jr., Earl Klugh, y Dave Koz. En 1997, Lewis agregó disc jockey a su résumé, hospedaje el popular show en Chicago's WNUA-FM que ran hasta 2009; , que se estrenará en el mes de septiembre. En el año 2005, Lewis miró sobre su raíz en la música de la música con el álbum con una voz, que fue el himno de la música de la música de la música. En el año 2007, se le pidió a escribir el jazz ballet para la Joffrey Ballet Company, y "To Know Her ..." debuted at Highland Park, Illinois 'Ravina Music Festival, donde Lewis es director artístico del festival de las series de jazz, su Jazz Mentor Program.

Lewis también ha escrito varias piezas para la cadena de conjuntos y orquestaciones que han premiered at Ravina; , que se estrenará en el 2009 álbum de canciones del Heart: Ramsey Plays Ramsey, su primera versión de Concord Records. En el año 2007, el Premio de la Academia de los Premios Musicales en el 2007, es uno de los músicos de jazz, el Olympic Torch, que tiene briefly escorted la llama que pasa a través de Chicago en la ruta a los Juegos de invierno de invierno. En el 2011, he emprendido otra cara, la reworking de su clásico 1974 jazz jazz-funk álbum Sun Goddess. El álbum fue reestablecido en el paquete de lujo con las canciones de las primas en el 2015. Dos años, Lewis fue un famoso huésped en el pianist Alan Storeygard's trío álbum New Directions.

 

 

 

 

https://www.ramseylewis.com/

Colaborador / Contributor:  Ketmokin